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Las películas cada vez se ven más oscuras y apagadas: cómo el cine ha abandonado el color poco a poco
El tema que nos ocupa hoy también tiene que ver con el devenir de la industria cinematográfica (hacia peor) en otro aspecto importante: el color. Si eres lo suficiente cinéfilo te habrás dado cuenta de que muchas películas y series de las últimas décadas se han vuelto mucho más grises y apagadas. Ni siquiera importa ya su trama, un brillo grisáceo lo cubre todo, silenciando los colores y brindando una apariencia oscura y «maligna». Hablamos de un filtro aplicado a cada escena, uno que elimina la vitalidad hacia una monotonía siniestra.
Un buen término que resume bien la característica lo ideó en Twitter Katie Stebbins. Ella lo llama el «lodo intangible» y su comparación de capturas de pantalla de la primera temporada de Dexter (2006) y la nueva serie de 2021 resume bien de lo que estamos hablando. En la primera imagen puedes ver los rosas de la piel de Michael C. Hall, los azules de su camisa. Pero en el segundo, todo se silencia. La piel de Hall es pálida e incluso amarillenta. Su camiseta es de un indefinible azul/verde/negro/marrón. Una sombra lo cubre todo.
La palabra que describe el aspecto de esa segunda imagen es «desaturado». Los colores se han marchado, dando lugar un aspecto desteñido, como en una fotografía antigua. No es que la desaturación sea mala, es una herramienta que se puede usar mal o bien. Pero, ¿por qué está de repente en todas partes? No hay una respuesta a esa pregunta, pero la periodista de Vox Emily VanDerWerff ha recopilado varias conjeturas sobre lo que puede estar detrás de esta desaturación de Hollywood y cómo llegamos ahí.
El auge de la corrección de color digital
Desde la llegada del Technicolor, la sincronización (o corrección) del color ha sido una parte importante de la realización de películas. Cuando los equipos filman algo durante varias semanas o meses, es posible que la luz no coincida o que las hojas de los árboles no tengan el mismo tono de verde todos los días. Por eso recurren mucho a esta práctica.
Durante la mayor parte de la historia de la película, la corrección del color se lograba físicamente, a través de productos químicos aplicados a los negativos de la película en un laboratorio. Y muy pronto, los cineastas se dieron cuenta de que podían usar este tipo de cambios de color, ya sea que se crearan en el set o en el laboratorio, para guiar emocionalmente a la audiencia a través de una película.
La primera película que utilizó la manipulación digital del color en la forma en que la concebimos hoy, es decir, cambiar los colores dentro de una imagen de película para encontrar una paleta lograda digitalmente, se considera que es la picaresca O Brother de la Gran Depresión de los hermanos Coen del 2000.
El director de fotografía Roger Deakins sabía que los Coen querían que la película tuviera un toque polvoriento, pero también sabía que la película se filmaría en Mississippi en verano, lo que significaría mucha vegetación exuberante. Para llevar la imagen más hacia el tono sepia amarillento que querían los Coen, pensó en aplicar filtros físicos a la lente. Pero era un proceso limitante y decidió recurrir a una compañía llamada Cinesite, que acababa de abrir nuevos caminos con su trabajo en la película Pleasantville de 1998. Los resultados fueron sorprendentes: los espectadores nunca supieron que fue filmada en un exuberante y verde verano de Mississippi. Solo ven un aspecto seco y demacrado como el infierno.
Todos quieren parecerse a Matrix
El auge de las técnicas de coloreado digital ocurrió a fines de la década de 1990 y principios de la de 2000, y resalta sobre todo que son años llenos de películas que tienen una estética oscura y ligeramente sucia. Sí, las películas repletas de sombras han existido siempre: el cine negro o incluso El Padrino. Pero en los años 90, películas como El silencio de los corderos y Se7en crearon paletas de colores muy influyentes es este sentido.
Y lo mismo ocurre con otros fantásticos estilistas visuales del siglo XXI a quienes les gusta jugar con el lado monocromático de las cosas. Las películas de Christopher Nolan, por ejemplo, tienen un fuerte estilo arraigado en una apariencia que imita perpetuamente un día nublado. Nolan sabe exactamente lo que busca. Otros se dejan llevar.
Las hermanas Wachowski en su mayoría han hecho películas brillantes y coloridas desde que dejaron atrás la Matrix inicial. De hecho, la nueva Matrix Resurrections, dirigida por Lana Wachowski está llena de color. El rico rojo y azul que estaba presente solo en las píldoras en la primera película está en todas partes aquí. ¿Quizás por eso ha tenido tan mala aceptación de la crítica? Nunca lo sabremos.
Los colores brillantes son demasiado fáciles
Las cámaras son como son. No podemos hacer mucho en ese sentido. Si te fijas en esta escena de una persecución en la película Colateral de 2004, notarás que la estética general de esta escena es vagamente similar a la apariencia descolorida que es tan común en las películas de hoy. Pero tampoco logra conseguir del todo ese aspecto. De hecho, tiene que apoyarse en el diseño de vestuario intencionalmente moderado (el traje gris de Tom Cruise, la camiseta desteñida de Jamie Foxx) para lograr el efecto que busca.
Cuando los directores estaban detrás de la cámara, muchas de las primeras películas digitales se veían chillonas y un poco extrañas, con colores que parecían salpicados en la pantalla casi al azar. Pero el director de fotografía Christian Sprenger, que filmó la fascinante Station Eleven, argumentó persuasivamente que ese período de tiempo provocó una pequeña reacción negativa que coincidió con la tendencia hacia imágenes más oscuras en general y nos trajo aquí.
«Cuando aparecieron las cámaras digitales, naturalmente tenían más saturación y más pop. Durante un tiempo, todo lo que vimos estaba súper saturado. Si vas a Best Buy a comprar un televisor, verás estas increíbles demostraciones de los colores más coloridos posibles», explicaba Sprenger. «Creo que muchos cineastas casi lo ven como una antítesis del cine».
Es una idea compartida por Gina González, quien dirige la posproducción en Station Eleven. Señala que uno de los lugares más comunes para encontrar colores hipersaturados en este momento es en los anuncios de televisión. Y ninguna película quiere sentirse como un spot publicitario.
Estamos obsesionados con el fin del mundo
Cuando decimos “lodo intangible”, de lo que realmente estamos hablando es de la forma en que la mentalidad de éxito de taquilla se ha apoderado de todo. Si investigas en los mundos del cine y la televisión, hay muchos ejemplos de películas que usan el color de maneras fascinantes. La película de terror de Ari Aster, Midsommar, es un festín de colores, y el éxito de Netflix El Juego del calamar está plagado de imágenes relucientes y estrambóticas.
Pero ambos proyectos se produjeron en una escala más pequeña que las películas de superhéroes que amenazan con apoderarse de la industria. Y dentro de las películas de superhéroes, los colores menos vibrantes reinan, con algunas excepciones. Cuesta incluso creer que este género se base en personajes de cómics, que tan a menudo fueron retratados usando los colores más brillantes y vibrantes imaginables. Pero el descenso del superhéroe cinematográfico hacia lodos intangibles tiene algo que ver con la frecuencia con la que estas historias tienen mucho en juego, potencialmente el fin del mundo.
Si cada vez que un superhéroe se viste, tiene que salvar el universo, entonces la historia se convierte en una sobre el fin del mundo. Y creemos que el fin del mundo se ve así. Nuestra visión del apocalipsis está fuertemente influenciada por las historias posteriores a la guerra nuclear de mediados del siglo XX, que dieron lugar a un paisaje gris y árido donde las nubes bloqueaban el sol. No todos los postapocalipsis tienen ese aspecto gris y descolorido. Si te fijas en Mad Max: Fury Road, verás que no es así, pero muchos de ellos siguen esa tendencia, a asociar ese aspecto descolorido con las temáticas del fin del mundo.
El Señor de los Anillos (en versión extendida)
Por último, para llegar al punto de nuestra cuestión, debemos preguntarnos también por qué las ediciones extendidas de las películas de El Señor de los Anillos tienen un grado de color ligeramente diferente de las ediciones que se estrenaron en los cines. Los fanáticos de la serie notaron esto por primera vez en noviembre de 2002, cuando llegó a las tiendas la edición extendida de La Comunidad del Anillo. La edición cinematográfica fue exuberante y colorida, y la edición extendida, que agregó nuevas imágenes a la película, solo tuvo un ligero giro hacia la desaturación.
Una perogrullada de los efectos por ordenador es que es más fácil ocultar sus «costuras» si los coloca en un ambiente oscuro o lluvioso. El ataque de T. rex en Jurassic Park, por ejemplo, es un buen ejemplo de ello. El dinosaurio suele aparecer cuando está oscuro y lluvioso.
No hay pruebas de que El Señor de los Anillos sea el paciente cero para esta tendencia en particular. Pero si miras la línea de tiempo y la influencia de estas películas, ciertamente parece posible. Y por lo menos, el uso de la gradación de color digital para ocultar los efectos de postproducción más obvios parece persuasivo.
Sin embargo, al final, no hay una respuesta única a la pregunta de por qué la desaturación está en todos lados. «La gente a menudo presta mucha atención al color en la vida cotidiana, con fuertes preferencias por tonos particulares cuando se trata de ropa, apariencia física, decoración, etc. Este mismo tipo de respuesta al color puede abrirse paso en la visualización de películas, especialmente cuando los cineastas utilizan el color de forma expresiva”, explicaba la Dr. Jennifer O’Meara, profesora de técnicas digitales en el Trinity College de Dublin. Entonces, si el color puede crear emociones tan potentes en los espectadores, ¿por qué tantos cineastas abandonan esa herramienta y simplemente imitan lo que «está a la moda»?
Por: Riccacho Levandoski
El público cree que cuando un artista está en el escenario todo es en vivo. Pero la verdad es que la industria musical está llena de trucos, engaños y recursos técnicos que van desde doblar la voz hasta tocar con pistas pregrabadas. El playback no es un invento moderno de los reguetoneros: nació con la televisión, se consolidó en los grandes conciertos y hoy es una práctica normalizada, aunque pocos lo admitan.
🎸 Los Beatles y el playback obligado en TV
En los años 60, cuando la televisión en vivo no tenía la calidad suficiente para transmitir sonido en condiciones, programas como Top of the Pops en Inglaterra o los shows estadounidenses exigían a las bandas cantar sobre su propia grabación. Incluso los Beatles tuvieron que hacerlo en varias presentaciones. Lo curioso es que la televisión lo mostraba como “en vivo”, y los fans lo aceptaban como parte del show.
🎶 Milli Vanilli: el fraude que desenmascaró al playback
En los 80 y principios de los 90, el dúo alemán Milli Vanilli (Rob Pilatus y Fab Morvan) arrasó en ventas y hasta ganó un Grammy al Mejor Artista Nuevo. Pero había un secreto: ellos no cantaban en los discos. Su éxito se basaba en playback absoluto. El escándalo estalló cuando, durante un concierto en 1989, la pista se atoró y el público descubrió el engaño.
El caso fue demoledor: les retiraron el Grammy, las disqueras enfrentaron demandas y el playback dejó de ser visto solo como truco televisivo para quedar marcado como fraude artístico. Desde entonces, cada vez que un cantante hace playback en exceso, el fantasma de Milli Vanilli vuelve a aparecer como recordatorio de que la mentira en el escenario tiene un precio.
🎤 La era pop: sincronía perfecta
Los 90 y 2000 hicieron del playback un recurso normalizado. Artistas como Britney Spears, Madonna o incluso Beyoncé han usado pistas pregrabadas para aguantar giras mundiales sin destrozar su voz. En muchos casos se combina la voz en vivo con coros grabados, un híbrido que da show y garantiza que el espectáculo suene impecable. La diferencia es que hoy los fans lo saben… y lo perdonan mientras la puesta en escena sea impactante.
🎤 Ashlee Simpson en Saturday Night Live (2004)
Durante una presentación en vivo en SNL, Ashlee debía cantar Pieces of Me, pero por error la producción puso otra pista de voz… ¡de la misma canción! Ella quedó desconcertada, hizo un paso de baile extraño y abandonó el escenario. El incidente se viralizó (cuando internet apenas despegaba) y dañó seriamente su carrera.
🎤 Beyoncé en la investidura de Obama (2013)
En la ceremonia presidencial, Beyoncé interpretó el himno nacional. Días después se supo que había cantado sobre una pista pregrabada, justificando que las condiciones del clima podían afectar la calidad del show. Aunque no hubo fraude como tal, abrió debate sobre hasta qué punto es legítimo recurrir al playback en eventos históricos.
🐇 Bad Bunny y el playback del streaming
En 2022, Bad Bunny protagonizó uno de los casos más sonados: en programas como los de fin de año en EE. UU., donde se esperaba que cantara en vivo, se notó claramente que su voz estaba pregrabada y desfasada. La polémica fue inmediata en redes sociales: ¿es aceptable que el “artista más escuchado del planeta” no cante en vivo? Para sus fans no hubo problema: el conejo malo no se vende como tenor, sino como showman del perreo global.
🎶 Playback 2.0: la IA y los hologramas
Hoy el playback entra en otra dimensión: inteligencia artificial, doblajes en tiempo real y conciertos holográficos. La voz de un artista puede ser replicada digitalmente mientras él baila, descansa o ni siquiera está en el escenario. La pregunta ya no es si hay playback o no, sino quién realmente está cantando.
En 2022, ABBA regresó a los escenarios con ABBA Voyage, un show en Londres donde los integrantes no cantan en vivo, sino que aparecen como avatares digitales hiperrealistas proyectados en un recinto diseñado para el espectáculo. La música que suena está pregrabada y producida al detalle, pero el impacto es tal que el público siente estar frente a un concierto real de los años 70. Más que engaño, es la evolución del playback: un híbrido entre concierto, teatro y cine que plantea una pregunta inquietante: ¿necesitamos al artista presente, o basta con su versión digital perfecta?
Del televisor en blanco y negro al festival de reguetón más caro del planeta, el playback ha estado ahí: unas veces como truco técnico, otras como fraude descarado y ahora como arma tecnológica. El problema no es el playback, sino la mentira: venderlo como “en vivo” cuando la voz ya no está en el escenario.
¿Aceptarías pagar miles de pesos por ver a tu artista favorito hacer playback? 🎤🔥
México no solo es tierra de tacos, mariachi y lucha libre. También ha sido semillero de inventos que transformaron la vida cotidiana en todo el planeta. Algunos se conocen bien, otros casi nadie los recuerda, y varios se confunden en listados virales. Aquí te contamos diez innovaciones —con nombres, fechas y contexto— que muestran cómo la creatividad mexicana ha dejado huella en la ciencia, la tecnología y la cultura global.
📺 Televisión a color
En 1940, Guillermo González Camarena patentó el “sistema tricromático secuencial de campos”, un método práctico y barato para transmitir televisión a color. Gracias a él, México se adelantó en la carrera tecnológica y, con el tiempo, el mundo entero dejó atrás las imágenes en blanco y negro. Incluso la NASA utilizó su sistema para transmitir imágenes desde el espacio.
💊 La pastilla anticonceptiva
En 1951, Luis Ernesto Miramontes, investigador de la farmacéutica Syntex en la Ciudad de México, sintetizó la noretisterona, base de la primera píldora anticonceptiva oral. Este invento revolucionó la planificación familiar y la libertad sexual de millones de mujeres en el planeta. Miramontes tenía apenas 26 años cuando cambió la historia.
🖊️ La tinta indeleble
Para garantizar elecciones limpias, el químico mexicano Filiberto Vázquez Dávila desarrolló en 1993 una fórmula que mancha la piel y no puede borrarse en varios días. El invento se convirtió en estándar en más de 30 países, reforzando la democracia con un método simple pero eficaz.
🏗️ La Tridilos
El ingeniero Heberto Castillo inventó en 1966 la Tridilosa, una estructura híbrida de acero y concreto que soporta grandes cargas con menos material. Su aplicación redujo costos, tiempos de construcción y permitió levantar puentes y edificios más ligeros y resistentes. Un orgullo nacional de la ingeniería civil.
🚦 La intersección de flujo continuo
El ingeniero Francisco Mier diseñó un sistema vial que elimina los giros conflictivos al reorganizar los cruces. Conocido como “Continuous Flow Intersection”, ha sido adoptado en varias ciudades de Estados Unidos y América Latina. ¿El resultado? Menos choques, menos tiempo perdido y menos contaminación.
🌮 La máquina tortilladora moderna
Si la tortilla es símbolo de México, la máquina que la produce en serie también lo es. Fausto Celorio perfeccionó en 1947 la primera máquina automática capaz de prensar, cocer y entregar tortillas listas en segundos. Este invento industrializó la comida más mexicana y hoy alimenta a millones de personas diariamente.
🌽 La nixtamalización
Desde tiempos prehispánicos, los pueblos mesoamericanos descubrieron que hervir maíz con cal liberaba nutrientes esenciales como la niacina y mejoraba la textura de la masa. Este proceso ancestral evitó enfermedades como la pelagra y sigue siendo la base de la tortilla mexicana. Hoy, se estudia como biotecnología ancestral.
🌱 Las chinampas
En el Valle de México, los aztecas idearon un sistema agrícola flotante en lagos y lagunas: las chinampas. Con ellas lograban varias cosechas al año y garantizaban alimento a una ciudad de cientos de miles de habitantes. Reconocidas por la UNESCO, hoy inspiran modelos de agricultura urbana y sostenible en tiempos de crisis climática.
🧪 El recubrimiento anti-grafiti
En 2004, científicos de la UNAM desarrollaron el Deletum 3000, un recubrimiento nanotecnológico que hace que la pintura no se adhiera a las superficies. Esta innovación protege desde monumentos históricos hasta vagones del metro, reduciendo costos de limpieza y preservando el patrimonio.
🚽 El flotador de baño
En el siglo XVIII, el científico novohispano José Antonio de Alzate y Ramírez describió un mecanismo sencillo pero brillante: un flotador que regula el flujo de agua en depósitos. Hoy, este invento está en cada cisterna, tinaco y sanitario del planeta, evitando desperdicios y ahorrando millones de litros de agua diariamente.
México no solo exporta tacos, mariachis y memes: también exporta ingenio que cambió al mundo. Estos inventos —desde los más modernos hasta los ancestrales— muestran que la innovación mexicana es parte del ADN global, aunque pocos lo reconozcan.
¿Cuál de estos inventos conocías y cuál te sorprendió más? 🚀🇲🇽
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